Nicole Kidman演绎N°5的片断还记忆犹新，这回换了Audrey Tautou，对，就是那个“天使爱美丽”的Audrey Tautou。广告描述了一段发生在东方快车上的邂逅，片子拍得怀旧、悬疑以及必不可少的——浪漫，不过我脑海却不时跳出哈里波特的场景，这……实在有点诡异。

其实真正抓住我心的却是当中传来的那段曾令我醉生梦死的歌曲“I'm a fool to want you”。看来世人还未忘记这个老太婆，她在另一个世界，应该感到欣慰了吧。

无需多么敏锐的观察，一个无可辩驳的事实清晰可见，那就是所谓的“大师”，现在是死一个少一个。因此，对于每一次能聆听Master们现场演奏的机会，是要倍加珍惜的。可惜以前有闲但无钱，现在有些余钱却无闲了，于是庸庸碌碌的我，一次又一次的与他们擦肩而过。终于，Murray Perahia，一个我其实不太care的钢琴大师,来到了上海。尽管不care，但是这次无论如何也不想错过了。何况他有过手指受伤的经历，印象中，凡是手指受过伤的，都是很牛X的，这可以追溯到舒曼。。。。。Hmm。。。这好像有点诅咒大师了，罪过，罪过。

之所以不care他，因为总觉得他的每一个侧重面总有这一领域的大师能够轻易的超越他，无论是莫扎特还是肖邦，更不用提巴哈了。当然，这只是我自己的看法，作为一个最浅薄的爱好者，总会因先入为主的观念而左右。最远的例子就是我至今仍对廉价的NAXOS版的莫扎特第20钢琴协奏曲（Jeno Jando演奏）倍加喜爱，并认为难以超越。这个可笑的认识来源于这是我听到的第一个KV466的版本，并固执至今。（唯一的一次动摇来自于哈斯基尔）。

对于这次音乐会，在我买票之前就有过犹豫（票价当然是一个原因啦），因为这里面有我不喜欢的贝多芬的热情奏鸣曲，而且是作为一部重头戏摆在里面的。不要惊讶，再怎么伟大的一部作品，如果集中听个几百遍也会审美疲劳的。记得高中时，那盘不知名的磁带，集合了“月光”、“悲怆”和“热情”，被我听到想吐为止，这个阴影一直传到现在。Perahia的现场演奏充满了力度，难以想象这个以前是被称为温文尔雅的人物居然也有砸键盘的一天。只是，他没有对全局有很好的布置，有点弹到哪儿是哪儿的感觉。听者自然觉得过瘾，然而对于已经听腻了这部作品的人来说，很容易发现他并未认真对待这次的演奏，至少，缺乏了那么一点点地含蓄。

他的巴哈已经没有了巴洛克的味道，就像在演奏一部浪漫派作品。当然，我肯定不知道什么才是真正的巴洛克的味道——鬼才知道——只是，珠玉在前，即便是中庸的席夫，也会弹得干干净净，线条分明。

莫扎特太难懂了，略过。肖邦，Perahia拿来闯江湖的利器，还是颇让人欣慰，3、4叙事曲我不太熟（我很庸俗的爱第一叙事曲），听之前做了些功课。很不幸啊，我听的是Francois ^_^

纵观整场演奏，Perahia无功无过，算是对得起上海的听众了。可能对于真正的资深人士，和不懂装懂的人尸的我来说，会有些许的遗憾。但不知哪位大虾说滴——有遗憾，才完美么。

不知不觉过了大半年，博客也很久没有更新，考试结束已经一个月了，但似乎还未能逃离那种疲劳的状态，想想已经是奔三的人了居然还要去啃线性相关，线性无关，真正是做孽啊。这段痛苦的日子，陪伴我的是马勒，16张一套厚厚的全集放着却很少去动，翻来覆去只听马勒的第九交响曲，从最初的卡拉扬到朱里尼，当然少不了伯恩斯坦，又回到卡拉扬，而现在音箱里传来的则是瓦尔特。

马勒的第九差点错过，卡拉扬的这张CD很早就有了，听了一半便不耐烦扔在了一边。我至今无法理解为何当初会如此鲁莽，鲁莽的几乎错过了世界上最好的音乐。

至于重新拾起还要归功于马勒的第五交响曲，即那个著名的小柔板，卡拉扬千篇一律的将这种体裁演绎得优美动人，似乎要告诉人们，不需要想的太多，只要觉得优美就行了。从此我知道马勒的音乐原来可以是这个样子，但记忆中第九仿佛不是这么回事，在听了第五以后我几乎是迫不及待的重新打开第九的盒子，而这一听就是半年。

这半年我几乎是在煎熬中度过，如果说要以音乐相伴，柴可夫斯基是不能听得，柴六属于火上浇油型，他歇斯底里的情绪配上一个神经质的穆拉文斯基，绝对让你觉得世界的末日就在眼前；勃拉姆斯的第四交响曲则缓和了许多，柴可夫斯基对此公非常不敬，但不影响后人对这两人报以同等程度的崇拜，克莱伯的表达一如既往地韵味十足，而卡拉扬则不敢恭维，富特文格勒的贝九并未让我拜倒，但他的勃四却让我痴迷，这是我在马勒前听得最多的作品，正如勃拉姆斯本人所说"我要写一部悲剧，以迎合我忧郁的本性"，而我则要听一部悲剧，以排遣我郁闷的心情。

而马勒，我能说什么呢？我半年没写音乐方面的博客，就是因为不知道该如何写马勒，所有的词藻都无法形容我重新聆听马勒第九时候的心情，生于死，快乐与悲伤，幸福或者不幸，一切大悲恸都被开头的那段不知该如何形容的弦乐所包容。卡拉扬的柏林爱乐仿佛具有魔性，你的情绪随着弦乐起伏，灵魂已经被勾走，又被几声冰冷的号子吹得毛骨悚然，然而这终究不是一部悲剧，因此我不喜欢朱里尼的处理，他把第九演绎成了哀乐恐怕不是马勒的本意，所以尽管这套CD几乎人人叫好，却让我越听越反胃。

乐迷对瓦尔特的称赞几乎都是礼节性的，但一谈到心目中的马勒版本时却都把他给忽略了，感谢基点网留有瓦尔特的录音，让我越来越意识到网上那些大师的评论是多么的不靠谱。这两个版本一张录于1938年初，乐队是维也纳爱乐，糟糕的录音完全破坏了音色的美感，但仅仅从速度的变化就可以领略瓦尔特不同于后人的理解。而另外一张与CBS的录音则好了很多，只是速度放慢了不少，卡拉扬的版本很接近这个演绎。

至于伯恩斯坦，对于他我无论如何都喜欢不起来，他的音乐里面，缺少起码的律动，一味的强调夸张的表情，仿佛马勒就应该是神经质的。他的马勒全集放在案边已经很久，太难啃，放弃了。对他的马勒第六寄予了希望，可是他在第一乐章就过度的消耗了他的情感，乐段的安排缺乏层层递进的考虑，导致主题的再现变成了简单的重复。

真的，还不如巴比罗利（Barbirolli），网上的乐评都互相的抄来抄去，受了托尼•杜甘的影响，对Barbirolli的马勒一面倒的认为太慢，他对乐曲冷静的结构倒可以增进对这部作品的理解，当然，的确是太冷静了。桑德林的那个著名的版本目前为止我还没有买到，目前我更期盼能拿到卡拉扬的版本。

Shostakovich又是块难啃的骨头，肖五还算是平易近人的，伯恩斯坦把长波浪的旋律线拉得煽情感人，但并不辛酸，肖要在这里表达辛酸吗？有谁知道？钢琴作为真正的打击配器出现，带动起一股股冲击的力量。一切仿佛为了最后一个乐章的冲刺作准备，只是，我还未能理解最后一个乐章的涵义。

康德拉辛的全集也已到手，不知道何年马月才去听了；我感兴趣的却不是肖的交响曲而是他的弦乐四重奏，尤其是最后几部，冰冷阴森，有着强烈的自虐倾向，给你一种听贝多芬的弦乐四重奏时无法带来的听觉刺激。

以上的大作都缺乏积极向上的因素，如果我这次考试失败，马勒要负一半责任，肖斯坦克维奇要负另一半。勃拉姆斯倒成了餐后的甜点，再这样下去，恐怕自己离崩溃也不远。

伟大的Francois，伟大的肖邦全集，即便录音是如此的差，我也毫不犹豫地把鲁宾斯坦等人抛到了一边，学习要有开阔的眼界，欣赏音乐也同样如此。正所谓：佛以一音演说法 众生随类各得解。

        <Lady in satin>,绸缎里的女人.在她有生之年的倒数第二张专辑里,在她最喜欢的一张专辑里,这个劣迹斑斑的女人,Billie Holiday,便是如此地称呼自己.然而，在仅仅18个月之后,1959年的7月17日,她便因为酗酒在一片扼腕声中如彗星般美丽而孤独地陨落了.时年44岁.
       在这张初版录制于1958年的唱片中,Billie初入歌坛时的甜美醇厚的歌喉已不复现.取而带之的是她历尽人事沧桑后,透射着痛苦心境的沙哑嗓音.这不能愉悦你的神经,真的,相反的,在整张专集听完之后,或许,你会为Billie这样纯粹直接地,或者说是赤裸裸的表现自己千疮百孔的内心世界而泫然而泣.毕竟,能有如此坦诚,能有如此能力的艺术家,已经很少很少了.又或者,正是这坦诚,Billie才会把视为自己最喜欢的专辑吧.
       专辑以一曲哀伤的"I'm a fool to love you"开场,便将听者的心境缓缓地拖拽到情绪的地层,渲染出泛黄的忧郁回忆.而结尾曲"The End Of A Love Affair",更是反复的氤氲出悲伤的气息,为这次录音,这张唱片,或者说,是这一次的人生,悄然地划上了一个句点.
       1958年的版本,已经属于弥足珍贵的无价之宝了.你我恐怕是无缘得见了.幸运的是SONY旗下的LEGACY,于1997年推出了的重制版.经过了高音质整理,并增加了4首于不同时期录制的专辑歌曲版本.或许,能还原出一个更真实的Billie Holiday,能还原出她更真实的心境.
        最喜欢的是长达9分多的"The End Of A Love Affair (The Audio Story)",因为里面有女艺人的清唱,喃喃自语,以及不知道是否开心的沙哑的笑.特别的是最后6秒的"Pause Track",听的时候.拉上窗帘,静静地分享1958年,那间录音室里的空气.
      在1997年版的唱片盒背面写着这样一句话:"LADY IN SATIN now wears a stunning new gown"(绸缎里的女人现在穿着一件精美的新礼服了)

　　好东西说的太多了，往往就会走向方面，我们太年轻，因此逆反心理还是有的。对于这张唱片，现在有越来越多的不屑的声音，他们拿各种各样的版本与之比较，指出种种“盛名不符”之处，当然了，Mariss Jansons，Karajan，Ferenc Fricsay，Celibidache这些名字是会经常提到的，哦，还有一个Bernstein。这里不想提Karajan，一般推崇Fricsay的还有很多的。至于把Celibidache评的神叨叨的我就不能理解，当然了，如果你现在正处于脑死状态，或许很能体会他的用意，但我还没活够。
　　我看到了“古典音乐网”中一个网友对Celibidache版的看法，他说“你们都别急着说celibidache的柴六不好，别急着否认他的柴六。的确，celi的柴六与其他版本差别很大，我也知道为什么mravinsky的最受欢迎。可是音乐指挥不是要“戏剧性”，“过瘾”才是好的，重要的是反映出作品的气质内涵。celi的音乐不是以激动的效果取胜的，不讲究“抓人”，所以初听有不近人情之处。但是celi的柴6充分表现了压抑，焦灼，阴郁的一面，是不可多得的佳作；长长的第一乐章，有掏心之感！我相信诸位如果好好的听，把他的听个至少几十遍，再听听friscay，mravinsky等人的，celi的绝对是可以与fricsay媲美的上乘之作！！！”
　　首先对柴氏的作品要有多么深刻的理解，是用不着听个几十遍的，如果说要把柴氏的作品搞得需要听几十遍才能听出味道来，那只能说明指挥的失败，而并非听众的低能。对于柴氏后三部交响曲，尤其是第六交响曲，它究竟要表现的是一种什么的样的情绪，非常的显而易见。作为一个歇斯底里的音乐家，他的感情是最人间的，任何高深莫测的改动或者有什么所谓的“不近人情”之处都是失败的演绎。
　　就说说Mravinsky的缺点：铜管乐水平太高，使得乐队不均衡；弦乐部分比较粗糙；神经质；过于火爆……等等。
　　好了，现在说说他的优点：铜管乐水平太高，使得乐队不均衡；弦乐部分比较粗糙；神经质；过于火爆……等等。
　　Ok，我承认上一段我偷懒了，用了快捷键，我只是想说，这种表现手法，不正是Tchaikovsky后三部交响曲所需要的效果吗？柴氏的交响曲里面不仅仅是阴郁和焦灼，更有着爆发的哭喊，若没有那些突兀的铜管乐，若没有乐队几乎癫狂的发挥，如何才能表达这种情绪来？
　　这位网友提到了作品的内涵，这就是作品的内涵，三个字概括“神经质”，四个字概括“歇斯底里”。对于Celibidache的勃拉姆斯，我报以崇高的敬意（仅次于Kleiber），不过对于柴氏，他不合适。
　　对于穆氏的柴4、5&6，不得不提的还有他的录制背景：这是他在1960年率领列宁格勒爱乐造访英国，趁隙录下了的，因此，其中的一气呵成以及统一感非常的明显，甚至连所谓的“缺陷”也是一模一样。
　　有人把世人对穆氏版本的推崇，归功于某种“巧合”，时值东西方冷战的关口，尤其是我们中国人特别爱做如此的猜想，不敢说是胡扯，但对于爱乐者来说，纠缠于这些历史的文章而不去体会音乐的本身，实在无聊。
　　历史上只有五张唱片曾经同时登上日本究极100、日本名曲300、企鹅三星戴花与留声机百大这四份权威榜单，这张就是其中之一。听众不是白痴，曲高未必和寡。

    其实从来就没有主动去研究过哪个作曲家，很多的时候，都是意外的被某个曲子所打动，又恰好闲得足够有时间去追根溯源，德彪西就是这样的例子。在高中，Mr.CC先生算是投我所好，借我一张长笛作品，詹姆斯·高尔维（James Galway)的performance。应该说我很幸运，第一次接触的东西很多都是精品，詹姆斯先生的长笛据说是同行中最为出色的，当然，这个我没有比较过。

    现在这张CD我一直在找，但估计是没戏了，记得当初最打动我的几首，都是德彪西的钢琴改编。以后就一直留意这个名字，后来偶然听到一次“牡神午后”，有点昏昏沉沉的感觉。介绍说这个作品就是讲牡神午睡的情景，呵呵，看来我的反应算是合拍的。
    我的第一张德彪西的专辑是包括了他几部最著名的管弦乐作品《牧神午后》《意象》《夜曲》《大海》，巴伦博伊姆Barenboim指挥，法国交响乐团，当然是盗版的。《牧神午后》自不必说，感觉就像老朋友了，听到《大海》的时候一个引子后面的弦乐，居然真的让人感觉到阳光在上面波光粼粼的味道，弄得我反复听这个片段，就像上了瘾。

    对于印象派，我直到现在还没有个清楚得概念，官方所谓的配器的讲究，以及造成重重叠叠的效果，其实在我看来，无非是作曲家试图用音乐作画。而且画的还不是感情，仅仅是景物譬如《大海》，或者一个故事，譬如《牧神午后》。如果说有什么高明一点的地方，就是他还谱写出那种非常隐晦的感受。古典音乐从巴洛克，古典，浪漫以来，尽管称谓上的不同，但都囿于一定的常规，每次革新无非是从这个规矩变到了另外一个规矩。而德彪西，至少表面上来看是完全OPEN的，他的音符像破碎的珍珠一样，从四面八方洒落，此起彼伏的脆响又相互呼应着，声声击到你的心坎。

    他描绘水的形态如此的出色，同类的我听过拉威尔的《水的嬉戏》（Jeux d'eau），后者是阿赫里奇的版本，受了她的蛊惑，我再也容不下其他的版本。《水中倒影》与《水的嬉戏》其实完全不同，前者是光线和阴影的结合：如一片枫叶慢慢的飘落，叶的一角轻触如镜的水面，突然定格了，如孪生的倒影，在水的另一面泛起涟漪。同样的还有《金鱼》，据说取材于作者收藏的一件日本漆器上的金鱼图像，用钢琴的震音表现水波翻滚，金鱼在水中悠然自得地游曳嬉耍的情景。《水的嬉戏》好像诞生的更早些，同样的印象派大师，拉威尔以绝对客观的角度来创造场景，他避开德彪西式的大写意，而用工笔的手法精雕细琢，《水的嬉戏》可谓杰作中的杰作，其声部的处理高超精巧，为德彪西所不及。

    说了一大段，其实都是来自于那套德彪西钢琴曲集，陕西南路路摊出品，如获珍宝，尽管4张cd一套，也毫不犹豫地买下。可惜是个法国新秀的演奏，如果有季雪金的就圆满了。听到第四张，终于发现了高中听到的詹姆斯演奏的片断，一时百感交集。

    安妮·索菲·穆特的演出已经结束，由于订票太晚，跟一个算得上是大腕的人物擦肩而过，真是有点可惜。刚才新闻里看到一则小插曲，说大姐在演出过程中，因为无法忍受一个家伙不停的对她闪，停止了演出，直到工作人员把他请出场为止。关于文明观看的话题，其实上海最近已经好了很多，尤其可贵的是已经很少出现乐章之间热情鼓掌的尴尬场面，所以，像这种就当作个例来看待罢了，一般人也认为不值得大书特书。不过如果自己身临现场，遇到有些事情还是难以忍受的。

    6月17日我们去金茂音乐厅听了秦立巍的大提琴专场，这个音乐厅很小，大概坐不了几百人，那天林栋莆也来了，高个子和光头令他特别的显眼，他就坐的一排大概是属于票价较高的那种，这一排的人基本上都是演出已经快开始了才进来的，甚至于等到秦立巍走上舞台时还有陆陆续续进来的人，Maybe真是应了压轴的都是最后出场的吧，但是对于非表演者来讲，他们其实没有多大的看点，反倒让旁人觉得些许得不快。

    这天的的节目比较的“重”，秦立巍一开始的发挥让我觉得有点惊奇，一般对于年轻的演奏家，我总有些偏见，包括朗朗在内，我都觉得他们眩技的成分总是大点，而往往会忽略作品的本身。博凯里尼的大提琴奏鸣曲算不上什么特别的难，可贵的是秦很沉得住气，演奏的节奏和音色都控制得恰当好处，情绪非常的平稳，没有特别矫揉造作的感情对比。也许是开场曲，作为热身的部分，秦不求有功，但求无过，就这点来讲，他做得挺好。接下来就是重中之重的勃拉姆斯的第二大提琴奏鸣曲，这部作品，我专门作了功课，家里听的是斯塔克的演奏，在基点网听了杜普雷的，说实话，听了以后没有太大的兴趣，尤其是4个乐章的安排，让我觉得这个老家伙近乎无聊，不过听得熟了也就顺耳了，于是就屏息聆听秦的发挥。很可惜，坐在我前面3排有三个小孩，他们就像小狗一样，一旦关久了就非要放出去活动不可，否则就会给你带来惊人的破坏力。他们从博凯里尼开始就已经蠢蠢欲动，到了勃拉姆斯便开始在座位上扭来扭去，并小声地说话。是的，在家长的关照下，他们说话的声音很小，但是在剧场里面，这样的声音足以彻底毁掉周围听众的情绪。在音乐厅我的神经特别的敏感，而且承认自己在这种环境下心胸会非常的狭小，我苛刻到认为整个现场应该有空无一人的感觉。有些变态的发烧友喜欢CD里面传出现场听众咳嗽的声音，这种噪音会令他们一下子high起来，不知道他们一旦听到前面第三排有个女人像抽风一样的不停的咳嗽时，还会不会保持这样的爱好。总之，这些噪音已经毁掉了这段演奏。秦立巍不知道有没有受到这些干扰，就我后来一边强忍着怒火，一边听得部分而言，他拉的不好。首先，钢琴的声音太响，一旦拉到弱音的部分，已经听不到秦在拉什么了。其次，总感觉秦没有很认真地对待这部作品，他没有像在拉博凯里尼的时候那么沉得住气，原本清澈的声音不知为何一下子变得好模糊，就像一碗放久了的汤面，已经分不清里面一根根的面条，而是成了模糊的一块。最后，意料中的，观众们在第三乐章结束后，爆发了蓄势已久的热烈的掌声，呵呵。

    上半场结束。 

    下半场几乎在喧闹中进行，再加上对克里姆和皮亚佐拉没有太大的兴趣，也就草草了事了。观众散场后也发生了一个小插曲，一对中年男女走出会场时，被等候在大门口的一对母子逮个正着，这位阿姨以十足的气势给与她的“敌人”狂风暴雨般的进攻，当男的过来劝架时，阿姨也毫不客气地给与耳光一个。至于干架的缘由，观众彼此心照不宣，笑笑而过。

    给今后去参加音乐会的朋友们几点建议

    1.请管好自己的小孩

    2.如果你弄不清楚正在演出的节目有几个乐章，请在演奏家起立后鼓掌。

    一谈起巴哈的双小提琴协奏曲，便大呼不亚于所谓的四小协，显然有点矫枉过正。偶尔听听，的确会让人肃然起敬，但更让我肃然起敬的，其实还是演奏者。从一定意义上来讲，一个作品的成功与否，很大一部分取决于演奏者的努力，因此历史上便有贝多芬设想有当时小提琴名家克莱门特、勃拉姆斯考虑有约阿希姆等等，进而，也会专门写一些独奏的片断，例如华彩。（反面例子则有柴可夫斯基，这个倒霉的人把第一钢琴送给鲁宾斯坦，把小提琴协奏曲送给奥尔，结果都被粗暴的拒绝了，钢协的命运好点，东边不亮，西边亮，彪罗把它捧红了，可是小提琴协奏曲就糟糕了，布鲁德斯基“不自量力”的接受了这部作品，结果演出评论一塌糊涂，但老柴还是把它献给了这位勇敢的小提琴家。）但巴哈时代的小提琴协奏曲并不同于古典、浪漫派的独奏协奏曲，在巴哈之前的Concerto原则上指的是合奏协奏曲(Concerto Grosso)大类的群体对峙的形式，到了巴哈，区别在于减弱了通奏低音的强度，但是小提琴部分还是强调与乐队的协作，与后来的协奏曲中独奏乐器的光芒四射的表演是不同的概念了。因此，经常会听到人说，某某演奏家技艺高超，去演绎巴哈的小提琴协奏曲是浪费了。不过对我来讲，如果不是像奥伊斯特拉赫这样的人物的演绎，哪里会让我动心去购买来欣赏呢。

    这部作品我有两个版本，海菲兹和他的徒弟Erick Friedman（如图）的大学时代就购买了，那是五张一套的海菲兹精选，记得大学每次晚上不想睡觉了，就拿出来听听，听了以后就更加没法睡了。奥伊斯特拉赫父子的版本则是上个星期新买的，大荷花版。对于奥氏和海菲兹来讲，几乎就像两座对峙的山峰，各具特色但都高耸入云。海菲兹的快是出了名的，用风驰电掣来形容不为过，在这部作品中，乐队一上来就已经让人有透不过气来的感觉，分明就是为了配合海菲兹，弦乐协奏部分甚至快的有点模糊了，直到海菲兹师徒俩的琴音出现，却反而让人松了一口气，音色嘹亮的让人全身振奋。奥氏拉得慢是出了名的，乐队的前奏体现了这一点，不急不躁，琴音出现的同时，眼前自然而然的会浮现那个立得笔直的身影。都说奥氏处理作品有点粗糙，我不知道这到底指整体还是细节。起码在细节上，他漂亮的揉指，即便在急速或者极弱的演绎中也能呈现千变万化的音色。也许是个人的心态的不同，同样的作品，我还是倾向于奥伊斯特拉赫干净清晰的演奏。 

    还有一个版本颇为稀奇，海菲兹一共录过两次巴赫的双小提琴协奏曲。这张图是第一次的版本，听说海菲兹一人分别演奏了2把小提琴的独奏部分。在LP时代，我不知道是否有那种混音技术，有人在bbs上说那是先自己先演奏第一小提琴的部分，然后回放唱片，再演奏第二把小提琴的部分。也许对于海菲兹来说，找到一个满意的合作者比较困难，突然想到芭芭拉·史翠生'Double'专辑中也有一首这样的作品。 不过这种演绎也太孤芳自赏了些，而且效果也未必好。想当年梅纽因和奥伊斯特拉赫双雄会，引起的轰动直到现在还被某些人津津乐道，好像自己当初也在场一样。

    谢林和Maurice Hasson的版本没有接触过，有机会听听。谢林同志被帕尔曼批评为拉琴没有感情，对于感情泛滥的帕尔曼来讲，做出这样的评价也是可以理解的。不过，冰冷的琴音演绎巴哈也许是比较正宗的。谢林的巴哈无伴奏小提琴组曲被认为是权威的道理可能就在这里。